天线空间荣幸地宣布即将呈现瑞士艺术家Louisa Gagliardi全新个展“希冀之心”（Wishful Thinking）。这也是这位近年来在国际上备受瞩目的年轻艺术家，在中国大陆举办的首次个展。

Gagliardi的艺术实践带有强烈的个人特征，并与今天的这个时代紧密联系在一起。曾有艺评家这样精辟地概括道：她的绘画创作在图像意义上有着重要的突破，而这似乎暗合着数字化浪潮对当代社会方方面面的冲击、刷新；更为奇妙的是，我们同时又从她的画面中看到她对绘画史（传统）的深深迷恋，并希望重新取回绘画最为本质的“代码”（codes）。

就具体创作手法而言，Gagliardi的画作可谓是“手工—机器的合成制品”，其步骤大致如下：图像，或者说画面中出现的各类元素，最初，都诞生在她随身携带的写生簿（sketchbook）上，簿中大量的素描稿（sketch）后经扫描而转为电子档；接下去，真正的“绘制”过程，便借助数位绘图工具——如手绘板等，而主要发生在软件环境中——Illustrator、Photoshop；完成绘制后，最终定稿的数字文件（PSD格式）将被传送至专业的数码图文输出中心，在那里的大画幅打印设备上被打印出来（目前为止都属油墨打印），而打印介质并非画布，Gagliardi从一开始就选择了PVC材料，随后逐渐尝试在铝、镜面等更为丰富的材质表面进行打印；她的部分作品还涉及一个追加的“手工环节”，她称其为“adding the last layer”，即以笔刷将凝胶或指甲油之类的日常生化制品——通常是透明的，干了以后仍带有一定的光泽——涂抹在画面的某些局部上，最常见的是画中人物的肤质部分。

在（绘画）风格方面，Gagliardi可谓是名副其实的“合成派”，自由、大胆地从艺术史所留下的丰厚资产中，从更为广泛、糅杂的视觉文化（Visual Culture）——设计、广告、电影、时尚、MTV……乃至如今基于互联网的海量静、动态图像、视频等等之中汲取灵感。

进一步来看，在Gagliardi的绘画实践中，“风格”的意义与生成机制，已经和它过去在构成艺术史主要脉络的艺术运动（art movement）当中的情况，有了本质上的差异。我们或许可以这样说：在她的创作意识中，（无论其来源、出处，各种已存在的）“风格”本身即是“材料”（material）。所以说，她不再像我们所熟悉的传统进程那样，日渐培育、发展起个人风格。若借用一个形象的比喻——她实质上，直接在就风格的“合成配方”进行操作。

当然，从意识的萌发到方法的成形，终究要通过时间来锻造。于是，我们可以看到大致这样的轨迹：自2015年至今，在相对较早的时期，不同的风格“合成配方”，是较为清晰地逐次出现的；2017至2018，可能是Gagliardi迎来的第一个阶段性成熟期，这期间，绘画的题材、画面构成的复杂度等等，都发生了显著的变化——整体而言发展的更为丰富和多样化了；这一系列的增进性变化，也自然调动、刺激了她对“风格”材料的处理方式进行“升级”…… 直到今天，我们可以在展览“希冀之心”所呈现的共计11件绘画及雕塑作品中（均创作于2020年），惊喜地看到它截止目前的最高形态——在个展的规制之下，同期完成的不同题材、内容、尺幅的画作，竟然以高度差化风格表现亮相于一室，而又显得相得益彰，构成了对她始终关注的，对于当代生活世界中（个体）经验再现的一次主题性叙述（narration）。

Louisa Gagliardi（生于1989年）目前生活、工作与瑞士苏黎世。她拥有平面设计（Graphic Design）专业背景，曾就读于荷兰阿姆斯特丹G.R皇家艺术学院（Gerrit Rietveld Academie）和瑞士洛桑艺术学院（Ecole Cantonale d’Art de Lausanne）。她近期参与的机构展览有 No Fear of Fainting in a Gym, Kunsthalle Sankt Gallen，圣加仑，瑞士；Being There，路易斯安那州博物馆，汉勒贝克，丹麦和La Vitesse des Images，Instituto Svizzero，罗马，意大利。她在英国的第一个机构个展Under The Weather，则由位于威尔士兰迪德诺的MOSTYN 艺术中心举办。

文：颜晓东